Rogue One: A Star Wars Story, The Forced Gratitude in A Mise-en-Scene Inc.

@Picture_Play

“Last year’s TFA is also functioning as the catalog for Star Wars brand. But, at least, it’s being honest in proclaiming itself as a platform of nostalgic. What hurtful about Rogue One is the movie betrays the concept of sacrifice and martyrdom as an act of barter for hope. To the contrary, this movie relies on nods as the foreground, but rarely lets our condolence to the unsung heroes touching the ground.”




In Star Wars Episode IV (with the additional subtitle A New Hope attached later on) signature opening crawl, it is said that the story set during the battle where The Rebel spies managed to steal secret plans to the devilish regime of Empire’s ultimate planet destroyer, The Death Star.

There’s a scene in the middle of the movie wherein a group of Empire highest rank officers gather in an internal meeting with Darth Vader also as a participant. The seemingly crucial meeting is about the possibility of The Rebel to defeat them, even though the extremely deadly Death Star is on their side. The meeting seems to have the highest level of urgency and, judging by the way they’re talking about it, it clearly shows that they’ve lost a top secret data related to Death Star’s weakness.

“If the rebels have obtained a complete technical readout of this station, it’s possible, however unlikely, that they might find a weakness and exploit it”, says a worrisome Empire high ranks officer.

One of his colleagues, however, does have a high assurance and then bragging about Death Star’s mega powerful ability and how undefeatable it is.

The conceit then has earned Darth Vader himself to response. In James Earl Jones’s deep baritone-well-articulated voice, Darth Vader says, “Don’t be too proud of this technological terror you’ve constructed. The ability to destroy a planet is insignificant next to the power of The Force.”

Darth Vader is right. For those who have been the loyal fans of Star Wars saga must know the end result and how The Force helps The Rebels to claim the victory. But Episode IV has us wondered about the mystery surrounding its plot-holes and the first question is, “How do The Rebels get the information of a supposedly super secretive Death Star blue print in the first place?”. It’s soon followed by other questions, such as, “How could a single laser blast blow up a massive gigantic planet-alike weapon?”; “Why would the architect of Death Star not thinking such a fatal and glaring error in his masterpiece?; “Isn’t it silly to let the exhaust vent and the core reactor linked?”; or “Why The Empire does not have a magnetic field as a shield to cover their most precious asset?”.

Episode IV and the rest of Star Wars movies may rely on The Force as the plot device to justify the illogical answer for unexplained driving force in its narrative. The using of The Force has the similar function as in using words like “God’s destiny”, or “fate”, or “fortune” to describe something that happens for no logical reasons. Some avid fans may have no complaints, but some others sure keep on questioning. And questions lead to conversations, conversations mean interests, and interests, in the eyes of studio executives is equal to the reflection of market opportunity.

So, “why don’t we create a Star Wars film to answer the questions in Episode IV?” way of thinking is the main reason why Rogue One: A Star Wars Story exists. Disney and LucasFilm call it “a spin-off’ and fans eat it up. The enthusiasm for this movie, following the commercial success of last year’s The Force Awakens (TFA), gets widened. I talked to some youngsters at a local IMAX theater in Jakarta who said that TFA was the factor why they bought tickets for the first show of Rogue One. They’re not Star Wars fans. They haven’t watched Episode IV yet and their only guide to the Star Wars universe was TFA. But the fact that they’re now starting to be familiar with Star Wars as a brand is undeniable and Disney/LucasFilm proves their marketing skill successfully kill the generation gap. In that context, Rogue One can be seen as a continuation of Star Wars as a brand.

A phenomenal brand that it is, Rogue One as the latest part of Star Wars brand, treated like a myth. For its first day releases in Indonesia and some other South East Asia countries, the studio and exhibitors agreed to cut the usual first time shows at 12 and started at 4 pm instead. Sure the decision sparked rumors and curiosity and it hasn’t yet answered. But my guess is the decision has something to do with the number of four as Rogue One shares the same timeline with Episode IV. But again, it is only a numerology speculation.

There’s a sort of conflict of interest among film critics and reviewers in seeing Rogue One. Do we see Rogue One as a film or as part of a phenomenal brand? Can we see it with an independent mind and let the dark side of our geeky sentimental go?

Star Wars movies are all about the family affairs of Skywalker clan, about the drama of members of a royal family with daddy issue. From that perspective, Rogue One actually has something unique because it’s a story of a group of proletarians who have nothing to do with any Skywalker bourgeois inner circle. What unites them is they’re fighting against the same enemy, the authoritarian regime of Galactic Empire.

What I like about Rogue One is the movie offers the other side of the story of unsung heroes behind that famous attack on Death Star in Episode IV to us. The idea is to tell the story about a band of guerilla fighters who never receive any credits for their bravery and martyrdom.

The lead figure here is Jyn Erso (played by an Oscar nominee actress, Felicity Jones, A Monster Calls). Jyn has a baby fat in her cheeks that makes her having a raw beauty looks with soft-hearted persona, but with a certain determination of courage in her eyes. Just imagine the adult and dark-haired version of Laura Ingalls of Little House on the Prairie.

Jones’ Jyn follows a new tradition in Star Wars saga after taken over by The Mouse House to continue their archetypal princess representation in movies. Jyn resembles Daisy Ridley’s Rey in TFA, since both of them share some similar characteristics: as the lead character, rebellion, and a natural martial artist. What separates them is that we know who Jyn’s parents are.

Jyn is, first seen as a child in the opening sequence, the daughter of Galen Orso (played by Mads Mikkelsen, an actor with a cold and ruthless look) and Lyra (Valene Kane). This small family of three is living in peace and harmony in a presumably rural savanna-alike planet until one day their existence is caught on Empire’s radar and they send out a spaceship led by General Orson Krennic ( Ben Mendelsohn) to capture Orso family. It turns out that Galen is a scientist whose competency needed by Empire to get Death Star completed—a job in which he undisguised refused since, to his knowledge, the project will only cause calamity and holocaust to the universe. While her parents are wrangling (“You’re confusing peace with terror!”, says Galen Orso calmly to General Krennic) with their would-be captors, Jyn hides away and later witnesses her mother’s death.

Jyn is supposed to be taken care by Saw Gerrera (played by Forest Whitaker)—I assume the name of Saw Gerrera was inspired by Che Guevara, an iconic Marxist and Cuba revolutionary leader—a close friend of his father, but for an unknown reason, Gerrera leaves Jyn in an underground bunker.

Saw Gerrera is, like Che Guevara, indeed an extremist rebellion who chooses to work on a different path with Rebel Alliance and going solo instead.

We see Jyn again later, after many years passing by, this time she is arrested by The Rebel Alliance for her connection to her father. In The Rebel Alliance’s opinion, Jyn must know something about her father’s work, a person whom she actually has had no contact with for a very long time. In fact, Jyn has no idea that her father is building an extremely deadly super weapon for the Galactic Empire.

As the story goes, Jyn reunites with Saw Gerrara in an unexpected event through a renegade Galactic Empire pilot named Bodhi Rook (played by Riz AhmedA Night of), who claims he was sent by Jyn’s father to hand a holographic message in which he explains why he decided to work on the Death Star and reveals the secret about how to defeat it.

To defeat Death Star and comply with her father’s mandate, Jyn needs a team. Later she is tossed by a band of strangers, including Bodhi Rook; an I’ll-do-whatever-it-takes Rebel Alliance assassin named Cassian Andor (Diego Luna); K-2SO, a reprogrammed Galactic Empire analytic-strategy droid (voiced by Alan Tudyk) who is as peevish and pouty as C-3PO and Sheldon Cooper of The Big Bang Theory combined, but also has the ability to break a Stormtroopers’ bone with a flick of its hands; Chirrut Îmwe (Donnie Yen), a sightless but still lethal monk-priest and the protector of Kyber Temple who believes in the power of The Force and repeatedly chants the mantra, “I’m one with The Force and The Force is with me”, that reminds me of Padawan Ganodi from The Clone Wars; and Baze Malbus (played by Chinese actor, Jiang Wen), Chirrut’s loyal and stoic sidekick, but cynically (and playfully) mocks his belief for The Force.

Together this band of misfits (who later accidentally call themselves as “Rogue One”) is about to accomplish a suicide mission a la “Dirty Dozen” and sabotaging The Death Star from the inside. Of course, just like another monomyth narrative, we will witness Jyn’s and other character’s transition from apolitical survivors to active rebels to heroic martyrs.

Rogue One is directed by Gareth Edwards, a slow builder filmmaker who, as in his previous two feature films (Monster, Godzilla reboot), tends to build characters and their interaction with each other before finally bringing us to the big action in the third act. In his 2014’s Godzilla, for instance, he intercuts one character’s point of view to another’s introducing us their each perspective about what actually happens and Edwards patiently takes us to one understanding in the final act. Edwards works on the same pattern in Rogue One, although, more likely follows the same formula the previous Star Wars entries have done before (especially Episode IV). We get it that an established brand has a trademark to uphold.

But that’s the problem with Rogue One, or one of many problems.

The movie tries to separate itself from Star Wars movies. It somewhat displays a shade of dark in its visual palette that reminiscences of Scott Ridley’s Prometheus. It can be seen on the color of the wardrobe and K-2SO’s design, or the dim light of the exterior and interior sets. In spite of giving the impression of earthly life, the choice of coloring, in the result, also creates the much seriousness in its tone. Rogue One does ask us to take it very seriously. From the philosophical-poetic-encouraging-lines of dialogue (General Tarkin’s “We need a testamentnot a manifesto”) to the quasi-parallel metaphor to current political issue (the setting of Planet Jedha where Saw Gerrera and his separatist group live resembles Jerusalem; Gerrera’s team brief battle against Empire’ troops; and the way they dress, will have our mind reconnected to the conflict in Syria).

But in contrast to its appeal of being serious, the screenplay for Rogue One—written by Chris Weitz and Tony Gilroy (the later also directed some re-shot scenes in this movie)—merely works on a soap opera-ish mechanism and without being constructed to sustain a serious logical consistency and reason. For example, there’s a scene when Diego Luna’s Cassian kills an informant whom he receives rumor about Jyn. The screenplay may try to emulate Cassian’s threatening persona and emphasizing his character as an effective assassin, like when Hans Solo shoots Greedo in the original 1977 film. But there’s no proper set-up for this scene, neither is a follow through. As if it’s just a mindless murder or a cheap narrative gimmick.

As a movie destined to answer the plot-holes in Episode IVRogue One tragically suffers the same fate. It’s hard not to notice some of its logically flawed narratives. For example, the Death Star plans are described being transmitted to Group One of the rebel fleet who departed from Base HQ at Yavin 4 only to send them on a ship back to, guess what, Yavin 4. Why don’t they send them directly to Yavin 4? Or in the most ridiculous aspect is the using of communication technology. Rogue One is set in the era of spaceship travels at the speed of light, but why do they still use radio HQ communication?

Rogue One, in fact, has a smart creative decision in using the theme of sacrifice as the narrative bridging to Episode IV. As the events of this film is set sometime between Star Wars Episode III (Revenge of the Sith) and A New Hope. The main idea in Rogue One is how a group of multi-ethnic-strangers willingly to work together in a team, forfeit themselves in a fight against tyranny, and their acts are only bound in hope for a much better future (“Rebellions are built on hope”, says Jyn to Cassian). But to make us believe in this idea, we need to believe in them as a team. We need to believe that they trust each other and share the same faith. And unfortunately, Rogue One is hard to convince us.

One of the most obvious problems why the movie fails to have us invested into the characters is because all of them are rogue characters and they’re distant in such a way that we never get close to any of them. Rogue One has the similar problem with Suicide Squad, in terms of the failure in building on-screen chemistry, they don’t provide enough time for their characters to hang out and interact on screen.

Sure, Jyn and her unlikely buddies are seen being together for a couple of times, but when they’re being on screen, it rarely made it a few seconds before the camera cuts away to a series of close-ups of his characters. And this happens precisely in the crucial moments when they are in process of assembling. It’s important to notice that, during the assembling process, how often the camera shoots the characters separately, then cut between close-ups of all of them, which isolates them in frame with no real human connection. The end result is we feel the lack of process of emotional integration or earnest compassion.

This is why the focus of making Rogue One as the continuation of Star Wars as a brand kills its potency of greatness. Disney and LucasFilm are more interested in establishing this film as the window display for Star Wars universe trivia by putting a large number of characters from previous installments in order to provoke hysteria from the fans. As much I’m hyped as a fan, the idea of cramming those recognizable characters (from that Mos Eisley Cantina’s duo bastards of Episode IV to Jimmy Smith’s Senator Bail Organa from Revenge of Sith who speaks no words at all) costs the dynamic loss. So often, camera work is designed only to provide the glimpse of those familiar characters in the midst of interaction build-up between Rogue One members.

Rogue One is indeed a corporate effort of incorporating George Lucas’ original trilogy mise-en-scene (the set, the props, the weaponry, the Stormtroopers, even some famous shots)—although it’s a very open-handedly welcome by fans like me—that feels like sacrificing the theme of sacrifice.

The level of seriousness in this movie’ tone also ruins the interaction dynamic between main characters. What makes the process of human interaction between characters in Episode IV seems to be believable is that they appear to be a group of cool persons who love to hang out around. The key is the lighter and humorous tone of the movie. We tend to blend nicely with someone we barely know if we share some laughter. That what happens in Episode IV, since Hans Solo, Princess Leia, Luke Skywalker, C3PO and R2D2 meet in a hilarious and relax way. The result is their chemistry feels fluid and organic. Compare to the depressing and serious tone of Rogue One, that’s the reason why the character of K-2SO the droid appears as the scene-stealer since he provides a plenty amounts of comedy with his sarcastic and abrasive quips and he turns out, ironically, being the most human and fully characterized, even compares to his human companions. We as the audiences are attracted to K-2SO character and, not surprisingly, when he must die in the line of duty, we feel the loss and the grief, but we don’t feel the same way towards other characters.

As a Star Wars movie, Rogue One has no Jedi, nor the iconic lightsaber battle. But it has a plenty of The Force. The screenplay needs to use it as the usual plot device to make us condoning the deus-ex-machina moments. Jyn, our heroine, has a necklace with Kyber Crystal as the pendant. In Star Wars universe, Kyber is a rare Force-attuned mineral as the source of energy for Jedi ‘ or Sith’ light-saber. That’s the only reasonable answer why the deeply spiritual and an affirmed believer of The Force like Chirrut îmwe gets immediately emotionally connected to Jyn Erso.

Aside from its tragically indisposed first and second acts, Rogue One somehow manages to surpass the previous Star Wars movies failed to do. Visually.

The space battles, the x-wing dogfights, and the third act action scenes feel logical and magical. Hatched by LucasFilm/ILM visual effects supervisor, John Knoll, and shot by d.o.p Greg Fraser (Foxcatxher, Zero Dark Thirty), Rogue One is a kind of collaborative effort that impossible to execute before. Fraser’s photography feels functional and uses a lot of wide shots to evoke majestic views. Fraser also utilizes the perspective scale to intimidate audiences. What’s interesting is he differentiates the heroes and villains with his camera. He uses low angle shots to determine the villainous character, as if they look down at you under their nose, creating the impression pomposity and haughtiness. Meanwhile, Fraser shot the heroes from high angle shots, causing the illusion of self-effacing.

Fraser’s camera also brings us to see the vulnerable side of Darth Vader (James Earl Jones lends his voice again).Here, Darth Vader abandons his usual economic words and it feels so off-balance with his menacing aura.

Michael Giacchino’s score is another state of perplexity. His score feels anemic and hesitates between the needs to dissociate itself from Star Wars and to be in-line with the mandatory for the purpose of branding continuity.

Last year’s TFA is also functioning as the catalog for Star Wars brand. But, at least, it’s being honest in proclaiming itself as a platform of nostalgic. What hurtful about Rogue One is the movie betrays the concept of sacrifice and martyrdom as an act of barter for hope. To the contrary, this movie relies on nods as the foreground, but rarely lets our condolence to the unsung heroes touching the ground.

When a movie supposed to be a paean to a tragic heroic story or a gratitude to the unsung heroes, but we end up cheering instead of cherishing, we know this movie has a huge problem.

And that’s the problem with Rogue OneA Star Wars Story. A story of the forced gratitude in a mise-en-scene incorporated.

(2,5/5)

Reviewed at IMAX Kelapa Gading on December 14, 2016, in 3D

Running time: 138 minutes

A Walt Disney Studios Motion Pictures release of a Lucasfilm Ltd. production. Producers: Simon Emanuel, Kathleen Kennedy, Allison Shearmur. Executive producers: John Knoll, Jason D. McGatlin. Co-

Director: Gareth Edwards

Screenplay: Chris Weitz, Tony Gilroy

Story: John Knoll, Gary Whita based on characters created by George Lucas

Camera (color, widescreen):  Greg Fraser

Editor:  John Gilroy, Colin Goudie, Jabez Olsen

Music: Michael Giacchino

Casts: Felicity Jones, Diego Luna, Alan Tudyk, Donnie Yen, Wen Jiang, Ben Mendelsohn, Forest Whitaker, Riz Ahmed, Mads Mikkelsen, Jimmy Smits, Alistair Petrie, Genevieve O’Reilly, Beau Gadsdon, Dolly Gadsdon.

Review Crouching Tiger Hidden Dragon-Sword of Destiny : Curse of the Title

written by @Picture_Play

6 Maret 2016 

Sword of Destiny seperti menerima “kutukan”, karena menanggung nama dan reputasi besar Crouching Tiger, Hidden Dragon, sebagai sebuah brand yang diwariskan Ang Lee.”




Kisah Crouching Tiger Hidden Dragon : Sword of Destiny (untuk selanjutnya hanya akan disebut Sword of Destiny saja), berselang delapan belas tahun dari kejadian film pertamanya.

Setidaknya informasi ini yang diperoleh dari Yu Shu Lien (Michelle Yeoh), pendekar wanita yang sudah kita kenal di film arahan Ang Lee yang jadi prequel film ini.

Sword of Destiny dibuka dengan sequence yang diiringi oleh voice over Shu Lien, berfungsi sebagai kilas balik dan sekaligus memberitahu kita seperti apa dunia wu xia, sepeninggal Li Mu Bai ( diperankan oleh Chow Yun Fat di film tahun 2000).

Shu Lien bercerita bahwa ia masih menyendiri dan hidup solitude. Di tengah riuh rendah dunia persilatan, Shu Lien berharap bahwa eksistensinya tidak diindahkan dan dia bisa menikmati hidup. Tapi nama besarnya dan Pedang Takdir Hijau yang diamanatkan Li Mu Bai kepada dia, terlampau kesohor untuk tidak menarik perhatian pendekar lain.

Shu Lien sendiri menganggap nama besarnya, Li Mu Bai, dan  Takdir Hijau seperti pedang bermata dua. Di satu sisi bisa dipandang sebagai pujian, namun Shu Lien sendiri menganggapnya sebagai kutukan.

Sayangnya hal serupa terjadi pada film ini.

Sword of Destiny seperti menerima “kutukan”, karena menanggung nama dan reputasi besar Crouching Tiger, Hidden Dragon, sebagai sebuah brand yang diwariskan Ang Lee.

Crouching Tiger, Hidden Dragon milik Lee adalah sebuah karya seminal yang sudah mencapai status klasik. Film ini berhasil menembus batasan dan meraih pengakuan, baik itu dari segi estetika, komersial, dan kritik.

Saat dirilis pada tahun 2000, Crouching Tiger Hidden Dragon, mampu menaikkan derajat film wuxia dan martial art yang sebelum itu cenderung dianggap sebagai karya kelas B (B-class movies). Film ini juga mendobrak pakem film martial art yang jamak dipakai hingga saat itu, di mana Lee membuka hampir 15 menit adegan pertama dengan pengenalan karakter dan cerita, alih-alih dengan adegan bak-bik-buk baku hantam.

Hasil yang dicapai Lee lewat Crouching Tiger Hidden Dragon pun sudah terekam dalam sejarah. Film ini berhasil meraih 10 nominasi Oscar di tahun 2001, termasuk Best Picture dan Best Director, dan berhasil membawa pulang 4 piala. Film ini juga berhasil menjadi film berbahasa non-Inggris terlaris di pasar Amerika Utara, hingga saat ini. Kekuatan film ini juga mampu menginspirasi banyak sineas untuk membuat film martial art dengan pendekatan serupa.

Sejak itu, lahirlah berbagai film berlatar dunia wuxia yang diproduksi dengan pendekatan film artistik dan lalu memperoleh status sebagai karya klasik. Di antaranya adalah Hero arahan Zhang Yimou; The Grandmaster arahan Wong Kar Wai; atau yang terbaru The Assassins karya sutradara Hou Hsiao-Hsien.

Crouching Tiger, Hidden Dragon menjadi pionir sebuah film kung fu yang mengeksplorasi tema kemanusiaan dan cinta; menyajikannya dalam kearifan dan keeksotisan budaya Timur; dan mengeluarkan daya magis filosofis di balik pertarungan antar pendekar, ke penjuru dunia.

Ironisnya, Sword of Destiny justru menjadi antitesis prekuelnya. Film ini terlihat seperti B-class direct-to-home entertainment movie yang memanfaatkan brand Crouching Tiger, Hidden Dragon sebagai daya pikat komersial.

Sword of Destiny  hanyalah mengeksploitasi apa yang sudah dikerjakan Lee, serta terlihat sebagai film produksi sekumpulan sineas yang malas berinovasi.

Bila Anda pergi ke pusat penjualan DVD, kadang Anda melihat beberapa judul film yang menggunakan poster dan judul film terkenal untuk menarik pembeli. Padahal ketika diputar, film-film tersebut hanyalah imitasi murahan dari film terkenal yang namanya “dicomot” di cover.

Sword of Destiny terlihat seperti film itu.



Perbedaan  Paradigma

“Sword of Destiny terasa sebagai sebuah produk pabrikan yang tanpa emosi, tanpa jiwa, dan tidak memiliki determinasi. Film ini terasa seperti gabungan antara beberapa template dan formula, yang asal direkatkan menjadi satu.

 

Hal ini menyedihkan, karena Sword of Destiny sebenarnya diarahkan oleh veteran di industri film martial art, Yuen Wo Ping. Ironisnya Woo Ping adalah penata laga film Crouching Tiger Hidden Dragon arahan Ang Lee, yang salah satu aspek unggulnya disumbangkan oleh koreografi rekaan Woo Ping.

Woo Ping sendiri tak awam dengan status sebagai sutradara. Bila Anda gemar menonton film-film kung fu, judul-judul  seperti Tai Chi Master (1993) dan Iron Monkey (1993), adalah salah dua dari film-film yang ia menjadi sutradaranya.

Kedua film lawas Woo Ping itu memang tidak menjadi masterpiece seperti Crouching Tiger, Hidden Dragon. Tetapi masih menawarkan beberapa ide dan konsep penceritaan yang segar.

Di Sword of Destiny, Woo Ping terasa tidak memiliki kendali. Koreografi pertarungannya pun tidak terasa sebagai milik Woo Ping. Bila terdapat sebuah mesin yang mampu memproduksi film secara massal, film ini terasa sebagai produknya. Sang produser tinggal memasukkan bahan-bahan ke dalam mesin, lalu mesin yang mengolah dan memproses semua bahan tersebut, dan..voila! Sword of Destiny siap disajikan.

Analogi di atas memang tepat menggambarkan film ini. Sword of Destiny terasa sebagai sebuah produk pabrikan yang tanpa emosi, tanpa jiwa, dan tidak memiliki determinasi. Film ini terasa seperti gabungan antara beberapa template dan formula, yang asal direkatkan menjadi satu.

Sebenarnya bila mau obyektif, Sword of Destiny adalah sebuah film yang masih bisa dinikmati sebagai sajian no-brainer, pelepas penat. Akan tetapi, keputusan untuk memproklamirkan film ini memiliki hubungan dengan Crouching Tiger Hidden Dragon, lantas menggiring kerangka berpikir penonton untuk mengaitkan dan membandingkannya dengan film terdahulu.

Lebih celakanya lagi, Sword of Destiny tak sungkan untuk terang-terangan mengeksplotasi beberapa elemen dari film “sekuelnya”.

Michelle Yeoh adalah satu-satunya elemen di depan layar yang memiliki keterkaitan dengan Crouching Tiger Hidden Dragon. Di film ini karakter Shu Lien memutuskan untuk kembali ke Beijing, setelah bertahun-tahun berkelana selepas tewasnya Li Mu Bai, untuk melihat kondisi Pedang Takdir Hijau dan keluarga yang menjaganya.

Di tengah jalan, keretanya diserang oleh segerombolan orang bertopeng hitam, yang dikenali sebagai kelompok Teratai Barat, pimpinan pendekar aliran hitam  Hades Dai ( diperankan oleh Jason Scott Lee).

Di sinilah awal Shu Lien kembali terlibat intrik dunia persilatan yang masih tergoda oleh kedigdayaan Pedang Takdir Hijau. Shu Lien juga kemudian bertemu kembali dengan mantan tunangannya, Meng Shi Zao (diperankan oleh Donnie Yen), seorang pendekar yang berjuluk Serigala Tenang.

Meng adalah pria yang menjadi alasan mengapa Shu Lien dan Li Mu Bai dulu tidak bisa bersatu. Tentu, Shu Lien kaget bukan kepalang saat mengetahui pria yang dikiranya sudah tewas, kembali muncul di hadapannya.

Plot romansa pelik seperti di film pertama, kembali dimunculkan di sini, terasa hanyalah sebagai syarat agar film ini tampil meyakinkan sebagai sekuel Crouching Tiger Hidden Dragon.

Juga dihadirkan karakter muda, Snow Vase (diperankan oleh Natasha Liu Bordizzo, cukup punya star quality dan bisa jadi akan menjadi bintang masa depan), yang mengingatkan akan karakter Jen milik Zhang Zi Yi di film pertama. Snow Vase adalah pendekar perempuan muda ambisius yang memiliki agenda tersendiri dengan Pedang Takdir Hijau.

Lalu ada pula karakter pria muda bernama, Wei Fang (diperankan oleh aktor dari serial Glee, Harry Shum Jr.), yang mengingatkan kita akan karakter Lo Si Awan Hitam milik Chang Chen.

Snow Vase dan Wei Fang ini kemudian terikat sebuah hubungan emosional, saat keduanya hendak mencuri Pedang Takdir Hijau. Belakangan ternyata diketahui hubungan mereka lebih pelik dari sekadar hubungan romansa.

Bersama-sama, keempat karakter tua-muda ini kemudian harus menghadapi Hades Dai yang berusaha menguasai dunia persilatan dan merebut Pedang Takdir Hijau, sekaligus menuntaskan urusan lama mereka dengan pimpinan gerombolan Teratai Barat itu.

Yang membuat Crouching Tiger Hidden Dragon menjadi berbeda hingga sekarang adalah karena pilihan Ang Lee saat itu untuk membesut sebuah film martial art dalam paradigma drama.

Ang Lee yang memang dikenal piawai membesut drama tentang hubungan antar manusia dalam lingkungan represif dan hubungan cinta pelik. Lihat saja penggunaan paradigma yang sama, saat Lee membesut film adaptasi komik Hulk (salah satu film favorit saya, tak peduli banyak orang mencibirnya).

Ang Lee yang saat itu tak pernah menggarap film martial art, memilih memprioritaskan eksplorasi drama hubungan antar manusia dan konflik batinnya, ketimbang menyajikan cerita pertarungan hidup dan mati dalam Crouching Tiger Hidden Dragon.

Itu sebabnya, Lee berhasil membawa film kung fu arahannya itu menjadi istimewa dan berhasil menyentuh banyak orang. Adegan pertarungan dilihat Lee sebagai medium bagi para karakter pendekar di filmnya berkomunikasi dan mengenal satu sama lain, bukan sebagai alat membunuh. Itu sebabnya pertarungan di Crouching Tiger Hidden Dragon terlihat seperti sebuah tarian, sebagai sebuah ekspresi diri.  Inti dasar dari film Lee adalah hubungan cinta antar para karakternya.

Sementara Yuen Woo Ping menggarap Sword of Destiny dalam paradigma film aksi martial art. Sehingga tidak heran, bila adegan pertarungan lebih diprioritaskan dan ditampilkan sebagai senjata, dalam kapasitasnya untuk bertahan hidup.

Bisa dimaklumi juga sebenarnya ketika berbagai elemen Crouching Tiger Hidden Dragon yang coba dihadirkan kembali di Sword of Destiny, gagal mengulang daya magisnya. Drama dan konflik antar karakter tak bisa berkembang dengan baik, hanya sekadar tempelan di sela-sela pertarungan.

Paradigma film aksi yang dipilih oleh Yuen Woo Ping (dan terutama para produser), juga akhirnya membuat mengapa naskah adaptasi garapan John Fusco, terasa memiliki pendekatan dan template western (serta superhero), ketimbang sebuah film aksi berlatar budaya Asia.

Naskahnya terasa melempem dan seolah merupakan hasil buatan aplikasi penulisan naskah. Dan jelas Fusco melihat Sword of Destiny dengan pendekatan film western.

Sword of Destiny memang terasa seperti film yang dibuat oleh sineas Barat. Pembabakan yang kaku, ditambah dengan cut to cut tajam dan tegas khas film western. Berbeda dengan sinematografi film tahun 2000-nya, di mana kamera lebih berfungsi sebagai pengamat dan mengeksplorasi keindahan adegan laga.

Nuansa kental film western dalam Sword of Destiny, makin kentara saat adegan di kedai makan yang melibatkan karakter Serigala Tenang. Di sini, Serigala terlibat adegan perkelahian dengan gerombolan pendekar perusuh, setelah membaca maklumat perekrutan anggota untuk melindungi Pedang Takdir Hijau yang disebarkan Shu Lien.

Bila di Crouching Tiger Hidden Dragon adegan perkelahian ikonis di restoran antara karakter Zhang Zi Yi dengan para pendekar adalah bentuk selebrasi dan kebebasan, maka di Sword of Destiny adegan perkelahian di kedai makan diturunkan tingkatannya, baik dalam hal produksi desain, artistik, ataupun fungsi.

Di Sword of Destiny adegan kedai makan lebih berfungsi sebagai perekrutan ansambel, layaknya formula yang layak ditemui di film western. Serigala Tenang bertemu dengan beberapa pendekar yang sepaham dengannya, lalu kamera menyorot satu per satu para pendekar ini sebagai setup pengenalan karakter baru. Terlebih kemudian diperlihatkan Serigala Tenang dan kumpulan barunya menunggangi kuda beriringan, dengan establishing shot. Khas film western.

Hal ini semakin menegaskan perbedaan treatment dan eksekusi antara Sword of Destiny dan Crouching Tiger Hidden Dragon. Film pertama lebih menyoroti polemik yang ditimbulkan Pedang Takdir Hijau ke dunia persilatan, sementara film kedua lebih mengangkat efek pedang itu kepada karakter manusia.



Pilihan Teknis Semakin Membuat Film Ini Sebagai B-Movie

Berbagai pilihan teknis lain, juga punya andil besar dalam membawa Sword of Destiny terlihat sebagai sajian B-movie.

Pilihan paling kentara adalah penggunaan teknologi digital yang terlampau banyak., termasuk dalam hal pewarnaan. Hal ini dimengerti, karena treatment digital merupakan cara paling singkat dan murah untuk “mengangkat” sebuah film. Tetapi, penggunaan teknologi digital di Sword of Destiny memperlihatkan bahwa film ini dikejar target untuk cepat tayang di momentum Tahun Baru Cina. Terlihat tanpa perencanaan matang di pra-produksi dan hanya meniru template film lain.

Pewarnaan digital di Sword of Destiny menjadikan film ini tampil dalam palette oranye (atau amber) dan biru. Dalam istilah coloring, dikenal sebagai orange and teal composition,di mana warna oranye atau amber umumnya menjadi warna para karakter, serta biru menjadi warna lingkungan sekeliling atau langit.

Komposisi warna seperti ini jamak ditemukan di film-film blockbuster, yang mengandalkan manipulasi efek digital dan CGI. Salah satu fungsinya adalah untuk “menyamarkan” benda-benda atau hasil rekayasa digital. Tidak heran bila komposisi warna orange and teal, sering ditemui dalam film-film seperti Transformers, Battleships, atau bahkan Mad Max Fury Road.

Komposisi warna tersebut juga menjadikan sebuah film memiliki atmosfer industrial, yang mengusung tema kehancuran. Komposisi warna serupa juga membuat film memiliki unsur fantasi, seperti yang bisa dilihat dalam trilogi Lord of the Rings atau The Hobbits.

Penggunaan komposisi warna itu di Sword of Destiny yang juga kemudian membuat penonton akan melihat kemiripan film ini dengan Lord of the Rings. Pilihan para sineas di balik Sword of Destiny terlihat lebih sebagai pilihan murah dan praktis, dalam upaya mengangkat film ini terlihat sebagai film “mahal”. Apa daya, malah justru terlihat murah.

Kesan murahan pun makin terlihat ketika background hasil sentuhan CGI  yang tidak menyatu dengan lingkungan sekeliling. Seperti terlihat pada digitalisasi seting kota Beijing atau menara markas Teratai Barat.

Digitalisasi film ini juga memperlihatkan penggunaan soap opera effect yang semakin membuatnya terlihat sebagai drama fantasi berbujet murah untuk konsumsi televisi.

Martial art movies memang merupakan film fantasi. Namun, Crouching Tiger Hidden Dragon menyajikannya dengan sentuhan realis. Lee dikenal memaksimalkan seting dan properti nyata dalam film itu. Polesan CGI hanya digunakan saat menghapus kawat penggantung yang digunakan para aktornya di adegan melayang. Bahkan saat adegan ikonis perkelahian di atas hutan bambu, Lee benar-benar “menggantung” para aktornya.

Lee juga menggunakan palette warna natural kala itu, meski memang saat proses coloring, warna ditingkatkan beberapa kali. Tetapi, tidak mengurangi kesan alami dan organiknya. Keunggulan lainnya adalah saat itu Lee menggunakan kamera seluloid, bukan digital, yang makin memberikan kedalaman puitis dalam karyanya.

Lee juga merekam kebanyakan suara para aktor di Crouching Tiger Hidden Dragon di lokasi syuting. Ada beberapa dialog di film itu yang terdengar bergema, seperti saat adegan di warehouse milik Shu Lien. Hal itu semakin memberikan kesan alamiah di film itu.

Sementara Sword of Destiny, justru menggunakan dubbing. Pemilihan kalimat-kalimat bahasa Inggrisnya juga terdengar canggung dan kaku, seperti merupakan terjemahan kasar dari kalimat-kalimat bahasa Mandarin dari materi aslinya.



Crouching Tiger Hidden Dragon – Sword of Destiny : The Curse of the Title

Seperti halnya Crouching Tiger Hidden Dragon, Sword of Destiny juga diangkat dari pentalogi klasik, Bangau Besi (Crane-Iron) karya Wang Dulu.

Sword of Destiny sebenarnya diangkat dari karya kelima atau terakhir Wang, yang berjudul Satria Besi, Bejana Perak ( Iron Knight, Silver Vase). Ceritanya memang menampilkan karakter yang di film ini dialihnamakan menjadi Snow Vase.

Seandainya saja para produser film ini menggunakan judul Iron Knight, Snow Vase, maka komparasi pelak antara film ini dengan Crouching Tiger Hidden Dragon masih akan bisa dihindari. Penonton tidak akan merasa ditipu, pengamat film pun masih akan menghargai film ini sebagai sajian ringan film kung fu yang terpisah dari masterpiece milik Lee.

Namun, produser lebih tertarik untuk memanipulasi dan mengeruk keuntungan dari brand yang telah dibesarkan oleh Ang Lee. Sebuah tindakan yang justru menghancurkan potensi marketing film.

Patut dipertanyakan keputusan untuk menayangkan film ini dalam format IMAX. Meskipun di beberapa scene film ini menyajikan keindahan alam melalui wide-shot, tetapi kebanyakan frame dalam film ini disajikan lewat pengambilan medium close up, terutama saat adegan pertarungan, untuk mengakali pengambilan gambar secara luas yang bisa berakibat pembengkakan biaya di keperluan artistik.

Bila Anda tertarik menonton Sword of Destiny, lebih baik Anda menontonnya melalui jalur resmi di situs streaming atau video on demand resmi, Netflix, karena format inilah yang sebenarnya paling sesuai untuk film ini.

Enambelas tahun sejak pertama kali dirilis, Crouching Tiger Hidden Dragon masih sering diputar di salah satu televisi swasta di Indonesia. Meskipun sudah berpindah format penayangan ke layar lebih kecil, keagungan film tersebut masih terasa. Sementara, Sword of Destiny yang dipaksakan untuk tayang di layar lebar, tetap akan terasa sebuah tayangan untuk layar kecil.

Beban berat yang ditanggung Sword of Destiny akibat pencantuman embel-embel Crouching Tiger Hidden Dragon, membuat semestinya film ini memiliki satu sub judul tambahan.

Crouching Tiger Hidden Dragon – Sword of Destiny: The Curse of the Title.

(2/5)

Now playing in selected theaters, IMAX, and via subscribed streaming or video on demand service on Netflix.

Running time : 89 minutes (plus another 10 minutes for credit titles)

Directed by Yuen Wo-Ping

Screenplay by John Fusco

Based on Crane Iron Pentalogy by Wang Du Lin

Produced by Charlie Ngu Yen & Peter Berg

Executive Producers : Harvey Weinstein, Morten Tyldum, Ron Burkle,Ted Sarandos, Pauline Fischer, Sarah Bowen, Jay Sun, La Peikang, Bob Weinstein, Anthony w.f Gong, David C. Glasser, Sarah Aubrey, Ralph Winter, David Thwaites, Jeff Betancourt

Director of photography : Newton Thomas Sigel, A.S.C

Production Designer : Grant Major

Edited by : Jeff Betancourt

Visual Effect Supervisor : Mark Stetson, VES

Costume Designer : Ngila Dickson

Music by : Shigeru Umebayashi

Colorist : Peter Doyle