Rogue One: A Star Wars Story, The Forced Gratitude in A Mise-en-Scene Inc.


“Last year’s TFA is also functioning as the catalog for Star Wars brand. But, at least, it’s being honest in proclaiming itself as a platform of nostalgic. What hurtful about Rogue One is the movie betrays the concept of sacrifice and martyrdom as an act of barter for hope. To the contrary, this movie relies on nods as the foreground, but rarely lets our condolence to the unsung heroes touching the ground.”

In Star Wars Episode IV (with the additional subtitle A New Hope attached later on) signature opening crawl, it is said that the story set during the battle where The Rebel spies managed to steal secret plans to the devilish regime of Empire’s ultimate planet destroyer, The Death Star.

There’s a scene in the middle of the movie wherein a group of Empire highest rank officers gather in an internal meeting with Darth Vader also as a participant. The seemingly crucial meeting is about the possibility of The Rebel to defeat them, even though the extremely deadly Death Star is on their side. The meeting seems to have the highest level of urgency and, judging by the way they’re talking about it, it clearly shows that they’ve lost a top secret data related to Death Star’s weakness.

“If the rebels have obtained a complete technical readout of this station, it’s possible, however unlikely, that they might find a weakness and exploit it”, says a worrisome Empire high ranks officer.

One of his colleagues, however, does have a high assurance and then bragging about Death Star’s mega powerful ability and how undefeatable it is.

The conceit then has earned Darth Vader himself to response. In James Earl Jones’s deep baritone-well-articulated voice, Darth Vader says, “Don’t be too proud of this technological terror you’ve constructed. The ability to destroy a planet is insignificant next to the power of The Force.”

Darth Vader is right. For those who have been the loyal fans of Star Wars saga must know the end result and how The Force helps The Rebels to claim the victory. But Episode IV has us wondered about the mystery surrounding its plot-holes and the first question is, “How do The Rebels get the information of a supposedly super secretive Death Star blue print in the first place?”. It’s soon followed by other questions, such as, “How could a single laser blast blow up a massive gigantic planet-alike weapon?”; “Why would the architect of Death Star not thinking such a fatal and glaring error in his masterpiece?; “Isn’t it silly to let the exhaust vent and the core reactor linked?”; or “Why The Empire does not have a magnetic field as a shield to cover their most precious asset?”.

Episode IV and the rest of Star Wars movies may rely on The Force as the plot device to justify the illogical answer for unexplained driving force in its narrative. The using of The Force has the similar function as in using words like “God’s destiny”, or “fate”, or “fortune” to describe something that happens for no logical reasons. Some avid fans may have no complaints, but some others sure keep on questioning. And questions lead to conversations, conversations mean interests, and interests, in the eyes of studio executives is equal to the reflection of market opportunity.

So, “why don’t we create a Star Wars film to answer the questions in Episode IV?” way of thinking is the main reason why Rogue One: A Star Wars Story exists. Disney and LucasFilm call it “a spin-off’ and fans eat it up. The enthusiasm for this movie, following the commercial success of last year’s The Force Awakens (TFA), gets widened. I talked to some youngsters at a local IMAX theater in Jakarta who said that TFA was the factor why they bought tickets for the first show of Rogue One. They’re not Star Wars fans. They haven’t watched Episode IV yet and their only guide to the Star Wars universe was TFA. But the fact that they’re now starting to be familiar with Star Wars as a brand is undeniable and Disney/LucasFilm proves their marketing skill successfully kill the generation gap. In that context, Rogue One can be seen as a continuation of Star Wars as a brand.

A phenomenal brand that it is, Rogue One as the latest part of Star Wars brand, treated like a myth. For its first day releases in Indonesia and some other South East Asia countries, the studio and exhibitors agreed to cut the usual first time shows at 12 and started at 4 pm instead. Sure the decision sparked rumors and curiosity and it hasn’t yet answered. But my guess is the decision has something to do with the number of four as Rogue One shares the same timeline with Episode IV. But again, it is only a numerology speculation.

There’s a sort of conflict of interest among film critics and reviewers in seeing Rogue One. Do we see Rogue One as a film or as part of a phenomenal brand? Can we see it with an independent mind and let the dark side of our geeky sentimental go?

Star Wars movies are all about the family affairs of Skywalker clan, about the drama of members of a royal family with daddy issue. From that perspective, Rogue One actually has something unique because it’s a story of a group of proletarians who have nothing to do with any Skywalker bourgeois inner circle. What unites them is they’re fighting against the same enemy, the authoritarian regime of Galactic Empire.

What I like about Rogue One is the movie offers the other side of the story of unsung heroes behind that famous attack on Death Star in Episode IV to us. The idea is to tell the story about a band of guerilla fighters who never receive any credits for their bravery and martyrdom.

The lead figure here is Jyn Erso (played by an Oscar nominee actress, Felicity Jones, A Monster Calls). Jyn has a baby fat in her cheeks that makes her having a raw beauty looks with soft-hearted persona, but with a certain determination of courage in her eyes. Just imagine the adult and dark-haired version of Laura Ingalls of Little House on the Prairie.

Jones’ Jyn follows a new tradition in Star Wars saga after taken over by The Mouse House to continue their archetypal princess representation in movies. Jyn resembles Daisy Ridley’s Rey in TFA, since both of them share some similar characteristics: as the lead character, rebellion, and a natural martial artist. What separates them is that we know who Jyn’s parents are.

Jyn is, first seen as a child in the opening sequence, the daughter of Galen Orso (played by Mads Mikkelsen, an actor with a cold and ruthless look) and Lyra (Valene Kane). This small family of three is living in peace and harmony in a presumably rural savanna-alike planet until one day their existence is caught on Empire’s radar and they send out a spaceship led by General Orson Krennic ( Ben Mendelsohn) to capture Orso family. It turns out that Galen is a scientist whose competency needed by Empire to get Death Star completed—a job in which he undisguised refused since, to his knowledge, the project will only cause calamity and holocaust to the universe. While her parents are wrangling (“You’re confusing peace with terror!”, says Galen Orso calmly to General Krennic) with their would-be captors, Jyn hides away and later witnesses her mother’s death.

Jyn is supposed to be taken care by Saw Gerrera (played by Forest Whitaker)—I assume the name of Saw Gerrera was inspired by Che Guevara, an iconic Marxist and Cuba revolutionary leader—a close friend of his father, but for an unknown reason, Gerrera leaves Jyn in an underground bunker.

Saw Gerrera is, like Che Guevara, indeed an extremist rebellion who chooses to work on a different path with Rebel Alliance and going solo instead.

We see Jyn again later, after many years passing by, this time she is arrested by The Rebel Alliance for her connection to her father. In The Rebel Alliance’s opinion, Jyn must know something about her father’s work, a person whom she actually has had no contact with for a very long time. In fact, Jyn has no idea that her father is building an extremely deadly super weapon for the Galactic Empire.

As the story goes, Jyn reunites with Saw Gerrara in an unexpected event through a renegade Galactic Empire pilot named Bodhi Rook (played by Riz AhmedA Night of), who claims he was sent by Jyn’s father to hand a holographic message in which he explains why he decided to work on the Death Star and reveals the secret about how to defeat it.

To defeat Death Star and comply with her father’s mandate, Jyn needs a team. Later she is tossed by a band of strangers, including Bodhi Rook; an I’ll-do-whatever-it-takes Rebel Alliance assassin named Cassian Andor (Diego Luna); K-2SO, a reprogrammed Galactic Empire analytic-strategy droid (voiced by Alan Tudyk) who is as peevish and pouty as C-3PO and Sheldon Cooper of The Big Bang Theory combined, but also has the ability to break a Stormtroopers’ bone with a flick of its hands; Chirrut Îmwe (Donnie Yen), a sightless but still lethal monk-priest and the protector of Kyber Temple who believes in the power of The Force and repeatedly chants the mantra, “I’m one with The Force and The Force is with me”, that reminds me of Padawan Ganodi from The Clone Wars; and Baze Malbus (played by Chinese actor, Jiang Wen), Chirrut’s loyal and stoic sidekick, but cynically (and playfully) mocks his belief for The Force.

Together this band of misfits (who later accidentally call themselves as “Rogue One”) is about to accomplish a suicide mission a la “Dirty Dozen” and sabotaging The Death Star from the inside. Of course, just like another monomyth narrative, we will witness Jyn’s and other character’s transition from apolitical survivors to active rebels to heroic martyrs.

Rogue One is directed by Gareth Edwards, a slow builder filmmaker who, as in his previous two feature films (Monster, Godzilla reboot), tends to build characters and their interaction with each other before finally bringing us to the big action in the third act. In his 2014’s Godzilla, for instance, he intercuts one character’s point of view to another’s introducing us their each perspective about what actually happens and Edwards patiently takes us to one understanding in the final act. Edwards works on the same pattern in Rogue One, although, more likely follows the same formula the previous Star Wars entries have done before (especially Episode IV). We get it that an established brand has a trademark to uphold.

But that’s the problem with Rogue One, or one of many problems.

The movie tries to separate itself from Star Wars movies. It somewhat displays a shade of dark in its visual palette that reminiscences of Scott Ridley’s Prometheus. It can be seen on the color of the wardrobe and K-2SO’s design, or the dim light of the exterior and interior sets. In spite of giving the impression of earthly life, the choice of coloring, in the result, also creates the much seriousness in its tone. Rogue One does ask us to take it very seriously. From the philosophical-poetic-encouraging-lines of dialogue (General Tarkin’s “We need a testamentnot a manifesto”) to the quasi-parallel metaphor to current political issue (the setting of Planet Jedha where Saw Gerrera and his separatist group live resembles Jerusalem; Gerrera’s team brief battle against Empire’ troops; and the way they dress, will have our mind reconnected to the conflict in Syria).

But in contrast to its appeal of being serious, the screenplay for Rogue One—written by Chris Weitz and Tony Gilroy (the later also directed some re-shot scenes in this movie)—merely works on a soap opera-ish mechanism and without being constructed to sustain a serious logical consistency and reason. For example, there’s a scene when Diego Luna’s Cassian kills an informant whom he receives rumor about Jyn. The screenplay may try to emulate Cassian’s threatening persona and emphasizing his character as an effective assassin, like when Hans Solo shoots Greedo in the original 1977 film. But there’s no proper set-up for this scene, neither is a follow through. As if it’s just a mindless murder or a cheap narrative gimmick.

As a movie destined to answer the plot-holes in Episode IVRogue One tragically suffers the same fate. It’s hard not to notice some of its logically flawed narratives. For example, the Death Star plans are described being transmitted to Group One of the rebel fleet who departed from Base HQ at Yavin 4 only to send them on a ship back to, guess what, Yavin 4. Why don’t they send them directly to Yavin 4? Or in the most ridiculous aspect is the using of communication technology. Rogue One is set in the era of spaceship travels at the speed of light, but why do they still use radio HQ communication?

Rogue One, in fact, has a smart creative decision in using the theme of sacrifice as the narrative bridging to Episode IV. As the events of this film is set sometime between Star Wars Episode III (Revenge of the Sith) and A New Hope. The main idea in Rogue One is how a group of multi-ethnic-strangers willingly to work together in a team, forfeit themselves in a fight against tyranny, and their acts are only bound in hope for a much better future (“Rebellions are built on hope”, says Jyn to Cassian). But to make us believe in this idea, we need to believe in them as a team. We need to believe that they trust each other and share the same faith. And unfortunately, Rogue One is hard to convince us.

One of the most obvious problems why the movie fails to have us invested into the characters is because all of them are rogue characters and they’re distant in such a way that we never get close to any of them. Rogue One has the similar problem with Suicide Squad, in terms of the failure in building on-screen chemistry, they don’t provide enough time for their characters to hang out and interact on screen.

Sure, Jyn and her unlikely buddies are seen being together for a couple of times, but when they’re being on screen, it rarely made it a few seconds before the camera cuts away to a series of close-ups of his characters. And this happens precisely in the crucial moments when they are in process of assembling. It’s important to notice that, during the assembling process, how often the camera shoots the characters separately, then cut between close-ups of all of them, which isolates them in frame with no real human connection. The end result is we feel the lack of process of emotional integration or earnest compassion.

This is why the focus of making Rogue One as the continuation of Star Wars as a brand kills its potency of greatness. Disney and LucasFilm are more interested in establishing this film as the window display for Star Wars universe trivia by putting a large number of characters from previous installments in order to provoke hysteria from the fans. As much I’m hyped as a fan, the idea of cramming those recognizable characters (from that Mos Eisley Cantina’s duo bastards of Episode IV to Jimmy Smith’s Senator Bail Organa from Revenge of Sith who speaks no words at all) costs the dynamic loss. So often, camera work is designed only to provide the glimpse of those familiar characters in the midst of interaction build-up between Rogue One members.

Rogue One is indeed a corporate effort of incorporating George Lucas’ original trilogy mise-en-scene (the set, the props, the weaponry, the Stormtroopers, even some famous shots)—although it’s a very open-handedly welcome by fans like me—that feels like sacrificing the theme of sacrifice.

The level of seriousness in this movie’ tone also ruins the interaction dynamic between main characters. What makes the process of human interaction between characters in Episode IV seems to be believable is that they appear to be a group of cool persons who love to hang out around. The key is the lighter and humorous tone of the movie. We tend to blend nicely with someone we barely know if we share some laughter. That what happens in Episode IV, since Hans Solo, Princess Leia, Luke Skywalker, C3PO and R2D2 meet in a hilarious and relax way. The result is their chemistry feels fluid and organic. Compare to the depressing and serious tone of Rogue One, that’s the reason why the character of K-2SO the droid appears as the scene-stealer since he provides a plenty amounts of comedy with his sarcastic and abrasive quips and he turns out, ironically, being the most human and fully characterized, even compares to his human companions. We as the audiences are attracted to K-2SO character and, not surprisingly, when he must die in the line of duty, we feel the loss and the grief, but we don’t feel the same way towards other characters.

As a Star Wars movie, Rogue One has no Jedi, nor the iconic lightsaber battle. But it has a plenty of The Force. The screenplay needs to use it as the usual plot device to make us condoning the deus-ex-machina moments. Jyn, our heroine, has a necklace with Kyber Crystal as the pendant. In Star Wars universe, Kyber is a rare Force-attuned mineral as the source of energy for Jedi ‘ or Sith’ light-saber. That’s the only reasonable answer why the deeply spiritual and an affirmed believer of The Force like Chirrut îmwe gets immediately emotionally connected to Jyn Erso.

Aside from its tragically indisposed first and second acts, Rogue One somehow manages to surpass the previous Star Wars movies failed to do. Visually.

The space battles, the x-wing dogfights, and the third act action scenes feel logical and magical. Hatched by LucasFilm/ILM visual effects supervisor, John Knoll, and shot by d.o.p Greg Fraser (Foxcatxher, Zero Dark Thirty), Rogue One is a kind of collaborative effort that impossible to execute before. Fraser’s photography feels functional and uses a lot of wide shots to evoke majestic views. Fraser also utilizes the perspective scale to intimidate audiences. What’s interesting is he differentiates the heroes and villains with his camera. He uses low angle shots to determine the villainous character, as if they look down at you under their nose, creating the impression pomposity and haughtiness. Meanwhile, Fraser shot the heroes from high angle shots, causing the illusion of self-effacing.

Fraser’s camera also brings us to see the vulnerable side of Darth Vader (James Earl Jones lends his voice again).Here, Darth Vader abandons his usual economic words and it feels so off-balance with his menacing aura.

Michael Giacchino’s score is another state of perplexity. His score feels anemic and hesitates between the needs to dissociate itself from Star Wars and to be in-line with the mandatory for the purpose of branding continuity.

Last year’s TFA is also functioning as the catalog for Star Wars brand. But, at least, it’s being honest in proclaiming itself as a platform of nostalgic. What hurtful about Rogue One is the movie betrays the concept of sacrifice and martyrdom as an act of barter for hope. To the contrary, this movie relies on nods as the foreground, but rarely lets our condolence to the unsung heroes touching the ground.

When a movie supposed to be a paean to a tragic heroic story or a gratitude to the unsung heroes, but we end up cheering instead of cherishing, we know this movie has a huge problem.

And that’s the problem with Rogue OneA Star Wars Story. A story of the forced gratitude in a mise-en-scene incorporated.


Reviewed at IMAX Kelapa Gading on December 14, 2016, in 3D

Running time: 138 minutes

A Walt Disney Studios Motion Pictures release of a Lucasfilm Ltd. production. Producers: Simon Emanuel, Kathleen Kennedy, Allison Shearmur. Executive producers: John Knoll, Jason D. McGatlin. Co-

Director: Gareth Edwards

Screenplay: Chris Weitz, Tony Gilroy

Story: John Knoll, Gary Whita based on characters created by George Lucas

Camera (color, widescreen):  Greg Fraser

Editor:  John Gilroy, Colin Goudie, Jabez Olsen

Music: Michael Giacchino

Casts: Felicity Jones, Diego Luna, Alan Tudyk, Donnie Yen, Wen Jiang, Ben Mendelsohn, Forest Whitaker, Riz Ahmed, Mads Mikkelsen, Jimmy Smits, Alistair Petrie, Genevieve O’Reilly, Beau Gadsdon, Dolly Gadsdon.


A Monster Calls Review : Balada Dan Tragedi Untuk Orang-Orang Yang Tersisih.

“Di atas permukaan, A Monster Calls adalah sebuah film fantasi. Tetapi, esensi kisahnya sendiri adalah sebuah puisi balada untuk orang-orang yang terkucilkan. Sebuah puisi balada yang menuturkan satu tragedi. Juga merupakan sebuah obituari terhadap sosok ibu yang semestinya menemani seorang anak saat dia tumbuh dan berkembang.”

Ada sebuah scene di A Monster Calls yang menjadi salah satu adegan kunci emosional di film ini. Saat Conor O’Malley (diperankan oleh aktor muda pendatang baru Lewis MacDougal. Sangat sangat bagus di sini) menyaksikan film King Kong klasik (1933) bersama ibunya (diperankan dengan sangat brilian oleh aktris nomine Oscar, Felicity Jones, A Theory of Everything, Rogue One) yang sedang menderita sakit parah di sofa di ruang tamu.

Sekuens ikonis saat King Kong berdiri dengan jumawa menghadapi serbuan pesawat-pesawat di atas Empire State Building itu diselang-seling ke tatapan mata Con (panggilan Conor) yang mengikuti setiap detailnya dengan seksama. Mata Con terlihat kagum dan tertarik ke dalam adegan saat sang King Kong menyapu bersih setiap musuh.

Scene ini hadir setelah sebelumnya Con disiksa oleh rekan-rekan satu sekolahnya, karena dia berbeda. Karena Con terasing dan terkucil dari pergaulan. Con dan King Kong memiliki satu persamaan. Mereka adalah karakter yang salah dimengerti oleh lingkungannya. Mereka merupakan karakter yang mencoba memberontak terhadap perlakuan masyarakat di sekitar mereka.

Dari adegan Con menyaksikan King Kong itulah kita akan tahu darimana kata “monster” dalam judul filmnya berasal.

Di atas permukaan, A Monster Calls adalah sebuah film fantasi. Tetapi, esensi kisahnya sendiri adalah sebuah puisi balada untuk orang-orang yang terkucilkan. Sebuah puisi balada yang menuturkan satu tragedi. Juga merupakan sebuah obituari terhadap sosok ibu yang semestinya menemani seorang anak saat dia tumbuh dan berkembang. Sosok ibu yang semestinya menjadi tanah dan bumi yang subur bagi sebuah pohon yang masih muda. Tanah dan bumi yang sayangnya terserang penyakit sehingga humusnya berkurang, serta membuatnya tandus. Kering kerontang. Pohon berusia muda yang seharusnya mendapat asupan rohani dari ibu pertiwi (mother earth) itu lalu tumbuh tak terawat. Tumbuh memang, tapi gersang dari segi kejiwaan. Con adalah pohon muda itu. Pohon muda tak terurus yang akar-akarnya kemudian menjulur kesana kemari demi menemukan sumber esensi dan mata air yang bisa menghapus dahaganya.

“Film ini bukanlah sebuah film fantasi berbujet mahal biasa. Anda akan dibuat menjelajah setiap sajian visual, menanyakan apa maknanya dan lalu membuat Anda merenung hingga akhir kisahnya usai.”

Butuh Sensitivitas Dalam Mengurai Alegori Dan Semiotika

Menyaksikan A Monster Calls memang dibutuhkan suatu kepekaan nurani. Dibutuhkan sebuah sensitivitas dalam mengenali berbagai semiotika kehidupan dan alegori emosional yang tersembunyi dalam suguhan visual memukau. Film ini bukanlah sebuah film fantasi berbujet mahal biasa. Anda akan dibuat menjelajah setiap sajian visual, menanyakan apa maknanya dan lalu membuat Anda merenung hingga akhir kisahnya usai.

Conor adalah seorang anak tak beruntung. Ayahnya (diperankan oleh Toby Kebbell) meninggalkan dia saat masih kecil. Conor adalah produk dari hubungan gejolak jiwa muda. Saat kedua orangtuanya mengambil keputusan untuk mengejar ambisi masing-masing, Con lalu yang menjadi korban.

Ada sebuah sentilan kepada generasi muda yang memutuskan untuk menikah muda dalam film ini. Sebuah sentilan yang akan membuat kaum muda memikirkan kembali keputusan untuk menikah dan membangun sebuah keluarga. Apakah secara emosional kita bisa memikul tanggung jawab? Apakah keputusan itu hanya berlandaskan gejolak jiwa muda yang masih menggebu-gebu? Atau merupakan sebuah keputusan yang lahir dari proses menimbang dan mengukur?

Con adalah contoh dari sebuah generasi yang lahir dari sebuah keputusan terburu-buru.

Jauh dari kasih sayang seorang ayah dan kelembutan seorang ibu yang harus berjuang melawan penyakit, Con lalu bak pohon muda yang kering. Dia gemar menyendiri. Satu-satunya tempat dia menumpahkan isi hati adalah lewat medium kertas yang ia penuhi dengan berbagai sketsa cat air. Sketsa yang mewakili kegundahan hatinya. Sketsa yang lahir saat dia menyaksikan penderitaan ibundanya yang berjuang melawan sakit.

Con yang masih teramat muda belumlah mengerti apa yang dirasakan oleh ibundanya. Dia hanya tahu sebagian kecil saja saat mendengar perbincangan ibunya dengan sang ayah. Atau lewat pembicaraan sang ibu dengan neneknya (diperankan oleh Sigourney Weaver). Con hanya bisa mengintip lewat celah pintu yang terbuka dan melihat bahwa sosok ibunya kini semakin lemah. Con masih dianggap terlalu kecil untuk mengetahui yang sebenarnya. Tapi orang dewasa tak pernah mengetahui bahwa kejadian itu membuat dia sebagai pihak yang paling menderita. Tak ada orang dewasa yang memahaminya. Tak ada orang dewasa yang mau meluangkan waktu sebentar untuk mendengarkan jeritannya.

Satu-satunya yang mau mengajaknya bicara adalah sesosok monster berwujud kayu yew (taxus baccata ) yang menjulang tinggi, bermata merah dan ronga-rongganya mengeluarkan cahaya merah menyala. Sesosok monster yang wujudnya seperti gabungan antara Groot, Ent di trilogi Lord of The Rings dan mahluk Swamp Thing di komik DC. Monster yang disuarakan oleh Liam Neeson ini selalu muncul saat Con memanggil dan sudah dihimpit amarah tak terkendali. Monster Yew ini lalu menceritakan tiga buah kisah. Saat ketiga kisah itu sudah selesai, Monster Yew mengharuskan Con menuturkan kisah keempat.

Kisah keempat yang hanya bisa diceritakan bila Con sudah mengerti apa yang dialaminya. Saat Con sudah bisa memaknai hidup dan jujur pada diri sendiri.

“Dalam beberapa aspek, cara kamera Oscar Faura bekerja dalam A Monster Calls mengingatkan saya kepada karya agung sineas Swedia, Ingmar Bergmann, yang dirilis pada tahun 1983, Fanny and Alexander.”

Pengaruh Ingmar Bergman

A Monster Calls merupakan ekranisasi buku berjudul sama yang naskahnya ditulis oleh Patrick Ness. Film ini tidak hanya mampu menghadirkan jiwa novelnya, tetapi memperkaya. Menambahkan dimensi dan keindahan puitis lewat kamera arahan Oscar Faura yang secara konsisten mengambil setiap gambar lewat low dan wide angle. Memberikan keindahan sinematis yang makin disempurnakan oleh pengarah rancangan produksi pemenang Oscar, Eugenio Caballero (Pan’s Labyrinth) lewat sentuhan bergaya gothic yang selaras dengan atmosfer kegelapan dan amarah dalam jiwa Con. Menghadirkan elemen mimpi dan dunia fantasi seperti dalam sebuah mimpi buruk. Meski lewat goretan warna pastel yang seperti dihadirkan oleh cat air, saat sekuens animasi membawa kita mendalami interaksi antara Con dan sang Monster Pohon Yew.

Dalam beberapa aspek, cara kamera Oscar Faura bekerja dalam A Monster Calls mengingatkan saya kepada karya agung sineas Swedia, Ingmar Bergmann, yang dirilis pada tahun 1983, Fanny and Alexander. Film Bergman itu juga menghadirkan satu karakter yang menciptakan dunia magis dalam pikirannya. Sama seperti A Monster Calls, film itu juga berbicara tentang teror eksistensi dari perspektif seorang anak. Sama seperti Ingmar Bergman yang dalam film-filmnya, memiliki obsesi tersendiri untuk mengupas berbagai peristiwa penting lewat celah pintu yang terbuka. Seperti Con yang hanya memiliki pengetahuan parsial tentang konflik orang dewasa dengan mengintip dan mencuri dengar.

Memang naskah karya Ness dan pengarahan jenius J.A. Bayona (The Orphanage, The Impossible) sedari frame awal film menceritakan kisahnya dari sudut pandang Con. Membawa kita mengikuti tragedi seorang anak yang terasing dan terkucilkan lewat kamera Oscar Faura.

Oscar kerap menyorot benda-benda sepele dalam film ini. Seperti ujung pensil. Atau jam tangan digital di pergelangan tangan kiri Con dan jam dinding kayu analog berusia ratusan tahun di ruang tamu rumah milik neneknya.

Berbagai shot “remeh temeh” itu bukannya tidak memiliki arti. Bukan hanya sekadar ingin menangkap momen demi suatu ambisi dalam menghadirkan nuansa artistik yang banal dan sekadar artsy fartsy.

Extra close-up shots ke pensil yang digerakkan oleh tangan Con saat dia menggambar berbagai objek, misalnya. Pensil yang terbuat dari kayu itu saya lihat sebagai alegori dari jiwa Con. Jiwa satu pohon muda kering kerontang yang bergerak secara abstrak. Sebuah pergerakan tanpa arah karena terombang-ambing oleh duka nestapa yang tak bisa diungkapkan. Pensil adalah sebuah alat yang terbuat dari kayu. Yang hanya bisa bergerak dan berfungsi di tangan seseorang yang memiliki imajinasi. Sama seperti karakter Con. Pensil dan imajinasi adalah satu-satunya sahabat Con. Tanpa keduanya, Con mungkin tak bisa bertahan lama.

Di lain pihak, jam tangan digital dan jam besar analog yang menghiasi ruang tamu rumah nenek Con menjadi alegori, sekaligus satire tersendiri.

Dalam sebuah adegan, karakter sang nenek milik Sigourney Weaver bercerita bahwa jam analog berumur lebih dari seratus tahun itu memberikan akurasi waktu yang tak bisa ditandingi oleh jam moderen manapun. Sebuah jam kuno yang akan tetap hidup bila terus diputar oleh manusia. Bukan bekerja dengan baterai. Jam yang kerangkanya terbuat dari kayu pohon yang tumbuh di atas bumi pertiwi.

Di satu sisi, saya melihat jam kayu itu adalah metafora dari kehidupan di rumah tempat tinggal Con. Sebuah benda antik yang telah memberikan informasi waktu secara akurat selama beberapa generasi. Sebuah benda yang telah menemani akar kehidupan Con selama ini. Sebuah benda bernilai seni yang terbuat dari kayu kering. Sama keringnya dengan kehidupan di dalam keluarga Con.

Dalam satu adegan, Con menghancurkan jam tersebut saat amarahnya sudah memuncak. Karena dia melihatnya sebagai personifikasi sang nenek yang kolot dan teratur. Sang nenek yang sebenarnya menyayangi Con dengan caranya sendiri. Ketiadaan komunikasi yang kemudian membuat hubungan emosional mereka terputus. Con diwakili oleh jam tangan digital, sedang sang nenek diwakili oleh jam tangan analog.

Di sisi lain, saya juga melihat jam tangan analog dan jam tangan digital adalah sebuah sentilan Bayona terhadap teknologi filmmaking analog dan digital. Persepsi saya itu beralasan saat seusai Con mengumpulkan puing-puing jam kayu analog yang telah dihancurkannya, kamera menyorot secara khusus jam tangan digital Con. Seolah mewakili pendapat pribadi Bayona tentang teknologi filmmaking analog akan tak tergantikan secara artistik oleh teknologi digital.

Kamera Oscar Faura memang menghadirkan kedalaman puitis sebuah sajian visual. Ada satu momentum saat Con yang sudah letih tertidur di bawah pohon, lalu secara perlahan kamera meninggalkannya. Menunjukkan bahwa Con menemukan “rumah yang sebenarnya” di pohon yew itu. Atau saat Con bersama neneknya berada di dalam mobil, hendak menuju rumah sakit untuk menengok sang ibu. Perjalanan mereka terhenti di perlintasan kereta api. Menunjukkan bahwa terkadang kita mesti memberikan waktu kepada satu kejadian yang lewat di hadapan, agar kita bisa sejenak meresapi makna hidup. Con dan neneknya lalu berbincang dalam sebuah situasi emosional. Mereka kembali saling berkenalan satu sama lain. Mengenali satu sisi masing-masing yang selama ini dihalang sebuah praduga. Betapa indah dan dramatisnnya shot ini.

Keindahan A Mosnter Calls juga hadir karena kepiawaian dan kejelian Bayona dalam mengatur ritme film. Menghadirkan variasi pace, tone dan visual. Ambil contoh saat Con belajar mengenai kerasnya realita hidup saat dia kehilangan orang yang disayangi, palette warna dan visual filmnya meninggalkan animasi bak cat air ke sebuah realita. Sebuah realita yang sebenarnya dalam pikiran Con masih seperti mimpi buruk, di mana tanah tempatnya berpijak terbelah dan benda-benda di sekelilingnya luluh lantak.

Visual tersebut amatlah kontras bila dibandingkan saat Monster Pohon Yew masih mengajari Con tentang konsep hidup lewat tiga kisah yang diceritakannya. Sebuah kisah yang menghadirkan raja-raja dan apoteker, di mana sang monster mengajari Con bahwa hidup tak melulu dibagi dalam dikotomi “hitam-putih”, “jahat-baik”. Tiga kisah tersebut dihadirkan dalam tiga segmen animasi berwarna pastel dengan desain bergaya gothic yang “menyeramkan”. Membangun sebuah dongeng tentang tragedi yang masih selaras dengan semangat “bermain-main” seorang anak. Bukan dalam gaya animasi Disney yang ceria. Sesuai dengan pelajaran dari sang monster bahwa dalam hidup, batasan antara kebaikan dan kejahatan seringkali kabur.

Tak ada yang benar-benar baik atau benar-benar jahat. Kebanyakan orang berada di garis batas antara keduanya, “ demikian ujar sang monster yang disuarakan dengan wibawa penuh otoritas oleh Liam Neeson.

Liam Neeson adalah salah satu bukti bahwa A Monster Calls ditopang oleh kemampuan akting para pemerannya. Hanya suara Neeson yang hadir, fisiknya sudah digantikan oleh animasi. Tapi suara Neeson yang khas sudah amat mengintimidasi. Benar-benar menghidupkan sang Monster Pohon Yew yang menjadi teman, sekaligus guru.

Felicity Jones memang tampil sebagai karakter minor di film ini. Namun saat dia tampil di layar, dia berhasil menghadirkan sebuah karakter yang tersiksa oleh sakit dan masih ingin menampilkan semangat hidup demi sang anak. Jones berhasil menghadirkan seorang ibu yang lembut dan penuh kasih sayang. Bahkan enerjinya bertambah kuat justru saat dia tak ada di layar.

Resonansi emosional itu memang tercipta karena dinamika Jones dengan Lewis MacDougal sebagai Con. Lewis secara luar biasa berhasil menghidupkan karakternya yang memiliki kompleksitas emosi sebagai seorang anak yang haus kasih sayang, tapi tak bisa mendapatkannya. Kita bisa merasakan sakit yang dialami Con. Lewis bahkan mampu memindahkan rasa sakit milik karakter Jones melalui wajahnya. Momen saat Con hendak melepas sang ibu, membuat dada saya sesak karena himpitan emosi. Emosi yang akhirnya bisa saya lepaskan melalui air mata yang tertumpah deras. Emosi yang masih saya rasakan bahkan setelah filmnya usai.

A Monster Calls menghadirkan emosi yang jauh lebih kuat karena lahir dari suatu akumulasi. Saya bisa merasakan pahitnya hidup Con. Rasa terasingnya dia dari lingkungan. Amarah dan putus asanya. Akumulasi emosi tersebut kemudian tak tertahankan lagi di akhir film.”

Puisi Tentang Balada Dan Tragedi Saat Kita Merasa Tersisih

Emosi memang pernah saya rasakan seusai menonton Pete’s Dragon. Tapi masih sebuah emosi yang kemudian masih bisa saya atur, karena momen itu hadir di awal film.

A Monster Calls menghadirkan emosi yang jauh lebih kuat karena lahir dari suatu akumulasi. Saya bisa merasakan pahitnya hidup Con. Rasa terasingnya dia dari lingkungan. Amarah dan putus asanya. Akumulasi emosi tersebut kemudian tak tertahankan lagi di akhir film. Saya merasa bagian dari cerita. Saya merasa menjadi bagian perjalanan hidup Con. Kisah hidup Con yang saya yakin masih terus membayangi.

Kisah hidup Con memang bisa saya alami. Bisa pula Anda alami. Kita semua pernah merasakan putus asa teramat berat yang kita tak tahu dengan siapa kita bisa berbagi. Saat semua orang tak memiliki waktu untuk mendengarkan keluh kesah kita. Saat itulah kita hanya bisa berbagi dengan diri kita sendiri. Dengan imajinasi yang kita miliki. Dengan satu-satunya yang bisa menerima kita apa adanya.

Bayona memang piawai dalam memasukkan sebuah cerita tentang kehidupan yang keras dalam bingkai sebuah teror dan horor. Seperti yang dia lakukan di Orphanage dan The Impossible. Teror dan horor yang bisa kita temui di kehidupan sehari-hari. Teror dan horor yang harus berani kita hadapi di kehidupan nyata.

A Monster Calls adalah sebuah karya agung dari Bayona. Sebuah masterpiece ekspresionis yang menghibur, tragis dan membuat kita patah hati. Score-nya yang melodius pun akan menjadi sebuah theme-song moderen bagi orang-orang yang tersisihkan seperti Con.

Con bukan satu-satunya orang yang tersisih dalam A Monster Calls. Ibu, nenek, dan ayahnya juga tersisih dari orang yang disayangi. Ibu Con tersisih karena penyakitnya; sang nenek tersisih karena sikap dinginnya; dan ayahnya tersisih karena ambisinya. Rasa tersisih yang kemudian membuat mereka menampilkan “monster” di masing-masing diri mereka.

Ya. Monster dalam film ini adalah sebuah alegori dari sisi gelap kita sebagai manusia. Setiap kita memiliki monster yang akan terbangun bila kita panggil. Tapi kita bisa mengendalikan monster itu. Kita bisa mengajaknya berdiskusi dan berdialog. Kita bisa mengajaknya membuat sebuah puisi. Puisi tentang balada dan tragedi saat kita merasa tersisih.


Reviewed at Gandaria XXI on October 13, 2016

Running time : 108 minutes

 A Focus Features release and presentation, in association with Participant Media, River Road Entertainment, of an Apaches Entertainment, Telecino Cinema, A Monster Calls AIE, La Trini production.

Executive producers : Patrick Ness, Jeff Skoll, Bill Pohlad, Jonathan King, Mitch Horwits, Patrick Wachsberger, Énrique López-Lavigne, Ghislain Barrois, Álvaro Augustin.

Producer : Belén Atienza.

Director : J.A. Bayona

Screenplay : Patrick Ness

Based on the same novel by Patrick Ness

Original idea : Siobhan Dowd

Camera (color, widescreen) : Oscar Faura

Editors : Bernat Vilaplana, Jaume Marti

Music : Fernando Velasquez

Production designer : Eugenio Caballero

Animation sequence director : Adrián García

Casts : Lewis MacDougall, Felicity Jones, Sigourney Weaver, Liam Neeson, Toby Kebbell, Ben Moor, James Melville, Oliver Steer, Dominic Boyle, Jennifer Lim, Geraldine Chaplin.